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Cartografía(s)

Ideas y reflexiones de una académica transestética

Location based projects, industrias creativas y mediadores

En los pasados meses he estado inmersa en un varios trabajos que me han absorbido todo el tiempo. Del 19 al 21 de noviembre estuve con mis compañeros de mediaccions en el congreso de ECREA (sección Digital Culture and communication) ‘Digital Media Technologies Revisited’ en Berlín, presentando el paper “Invisible networks and location-based projects suggesting the return of the “place”. 

En esta presentación  proponía una evolución de las teorías que sugerían la separación de la noción de “lugar”, dado que las TIC y concretamente las conceptualizaciones de “ciberespacio” y “realidad virtual”  supuestamente proporcionaban una experiencia que nos separaba de las prácticas espaciales, dicho de otra manera, del espacio físico o real. Todo esto está cambiando, y a partir de las prácticas culturales que utilizan los medios actuales (redes inalámbricas, GPS y especialmente realidad aumentada) podríamos sugerir que se está produciendo un retorno a la idea de “lugar”.

Por otra parte, del 10 al 12 de diciembre, hemos estado en el congreso Changing Cultures: Cultures of Change, dentro del proyecto ATACD que se celebró en Barcelona. En él presentamos el paper  “From the Lab to the Factory: Bridging creators and industry”, con mis compañeros Ruth Pagès  i Antoni Roig.  A partir de un análisis de las definiciones de creatividad e innovación, en el contexto de las industrias creativas, tomamos como casos de estudio dos iniciativas de mediación entre artistas e industria, con el fin de extraer las ideas que subyacen a estas colaboraciones, en términos conceptuales y también estructurales. Una de nuestras conclusiones es que los mitos del artista romántico, en relación con la creatividad persisten en gran medida en estas iniciativas. Tuvimos la suerte de estar en una sesión sobre industrias creativas, titulada Space, creativity and culture donde pudimos aprender de otros casos propuestos por los presentes.

 

 

Universitat Oberta de Catalunya

Cultura digital y creatividad: participación, innovación, precarización

Los pasados dias 23 y 30 de octubre estuve dando clase en el máster en comunicación digital interactiva de la Universitat de Vic. Tras una introducción a la sociedad de la información (o sociedad red) en la primera sesión, en la segunda tuve la oportunidad de resumir en casi tres horas la confluencia de tres líneas de investigación abordadas en los últimos 4 años: cultura digital y prácticas mediáticas, práctica artística y new media y creatividad e innovación audiovisual. Todo ello parece cobrar sentido en el momento en el que comenzamos a indagar sobre los conceptos de creatividad e innovación y comenzamos a constatar unas ciertas distorsiones y ausencias en lo referente a las prácticas profesionales y laborales.

En líneas generales,  podríamos decir que la participación de los públicos en la web 2.0 en la producción de contenidos (prosumer, viewser, proams, co-creator….) , más las prácticas artísticas de los new media (y su versatilidad para trabajar en equipos tecnológicos) se encuentran en el punto de mira de las políticas de innovación e industrias viendo en ellas una creatividad por explotar (más o menos oculta, como una mina con minerales preciosos).

Esto se ha plasmado en las políticas  referentes a la llamadas “industrias creativas” (británicas sobre todo), pero también bajo los discursos de la innovación, tan de moda, que se presentan como la solución a los modelos económicos actuales. Estos discursos presentan una polarización extrema, y van desde el máximo entusiasmo (Florida, Hartley) a la crítica absoluta (Mc. Robbie, Ross). Estas segundas apuntan, muy acertadamente, a un contexto laboral muy precarizado, donde las políticas de innovación bajo diferentes formas heredan, no sólo los discursos artísticos sobre la creatividad, sino también unas formas de trabajo claramente desregularizadas. Lo peor de todo es que nunca se explicitan estas cuestiones en los informes y documentos que estudian el impacto de las profesiones creativas, porque es mejor que todo el mundo siga pensando que ser artista es muy “cool”.

La ciencia en España no necesita tijeras

tijeraspues eso…

Sobre objetos y espacios, o como gestionar la interdisciplinariedad

La semana pasada estuve participando en el congreso internacional CRESC, en Manchester (1-4) septiembre. Esta asociación y centro de investigación en el ámbito del cambio socio-cultural, está financiado por el gobierno británico y organiza desde hace 5 años su congreso anual, proponiendo un tema a debate. En el 2006 el lema era “Media Change and Social Theory” y estuve con mis compañeros, Toni Roig, Elisenda Ardèvol y Ruth Pagès participando con el paper Videogame as media practice: An exploration on the intersections between audiovisual consumption and game cultures.  Este año fui en solitario a presentar el paper Objects and Traces in Space: an approach to locative media projects, que respondía al call for papers Objects – What Matters? Technology, Value and Social Change y el entorno y la impresión que he tenido ha sido muy distinta.

En relación al congreso de 2006, caracterizado por la participación de académicos del ámbito de la comunicación, aunque también antropólogos y sociólogos orientados al estudio de los medios, la participación en el congreso de 2009 se ha caracterizado por la heterogeneidad y multiplicidad de aproximaciones a un mismo tema: los objetos. La propuesta prometía, aunque la sensación una vez terminada no podría describirla sino como agridulce, y me explico. Si bien algunos profesores reclamamos que la investigación en el ámbito de las humanidades y ciencias sociales ha de ser necesariamente interdisciplinar, cuando se realiza un intento a gran escala, como ha sido el caso del congreso del CRESC, se ponen en evidencia algunas cuestiones que no acaban de funcionar. Esto sucede cuando por ejemplo afloran a discusión cuestiones que para un ámbito concreto ya están superadas o son de conocimiento básico, pero no para otros ámbitos, que tienen diferentes “backgrounds”.  Por ejemplo, cuestionar la utilidad del uso de métodos y tencologías audiovisuales en la ensañanza primaria jamás se discutiría en un congreso de comunicación, porque conocemos la existencia de un ámbito de investigación (“media literacies”) que precisamente se ocupa de la alfabetización en medios.  Es el precio de la interdisciplinariedad en un congreso . Sin embargo, dentro de la heterogeneidad de las sesiones se podían encontrar rastros de complicidad con algunos temas que me interesan. Supongo que se trata de una cuestión de escala, dado que nuestra práctica interdisciplinar en grupos de investigación más pequeños, de momento ha sido muy satisfactoria y enriquecedora.

Dejo aquí mi presentación en la que reflexionaba sobre la objetualiad (o no) de las prácticas de “locative media” y su relación con el espacio. En base a la idea de que los proyectos basados en tecnologias de localización pueden retornar a la idea de “lugar”, analizo tres proyectos que proponen cartografías subjetivas como modo de apropiación del espacio. Así mismo, trato de anclar estas prácticas en el contexto del arte contemporáneo, y su reflexión en torno a la objetualización, conceptualización o comodificación del objeto artístico.

Arte e identidad en Internet (bis)

Hace poco más de un año que publiqué el libro “Arte e identidad en Internet” con la editorial de la UOC, y hace unos dias pude descubrir que había algunas referencias por la web:

“La identidad en Internet es un tema que interesa tanto a investigadores y artistas como a empresas y administraciones: desde la comunicación interpersonal a la colectiva, la identidad de los usuarios desempeña un papel determinante en este contexto y los espacios de acción se amplían cada vez más. En este libro, por un lado, nos interrogamos sobre las teorías que han dominado la concepción de la identidad en Internet, y por otro, exploraremos las prácticas relacionadas con la representación de la identidad, interesándonos especialmente en proyectos de creación artística en Internet”.

Con esta pequeña descripción sintetizaba el contenido del libro, que a su vez, sintetizaba un parte de mi tesis doctoral “Cartografías de la identidad: seis itinerarios para la reflexión en torno a la práctica artística y comunicativa en la era digital“.

– En este enlace, ligado a una asignatura impartida en la Universidad de Castilla la Mancha, han resumido el índice del libro en un ppt:

– También se hace referencia al libro en una entrada a uno de los blogs del País, titulado: “Fotomatón”. La identidad en internet. y escrito por José Ignacio Prieto

Visualización de información

Como resultado de la investigación del proyecto Arte, estética y new media, tenemos una gran cantidad de datos que ahora es necesario analizar y contrastar. Hoy he estado probando con algunos programas online que ofrecen algunas posibilidades interesantes:

Para frecuencia de términos utilizados en definiciones y descripciones TagCrowd:

http://tagcrowd.com/

Imagen 1

Señala la frecuencia en número de apariciones y el uso del color es bastante elegante en contraste con otros programas similares que incluyen colores estridentes que después cuesta distinguir.

El defecto más importante es que no se puede guardar la imagen, más allá de una captura de pantalla. En la imagen anterior probé con la frecuencia de los términos con que se enuncian los lemas en los congresos sobre arte y nuevos medios

Para visualizaciones un poco más complejas es muy recomendable el many eyes, que incorpora varios subprogramas incrustados, como el wordle (similar al tagcrowd) para frecuencia de palabras, pero también para comparar datos. En lo referente a la representación geográfica, he hecho varias pruebas con los datos obtenidos en nuestra base de datos sobre congresos que tratan sobre arte y nuevos medios, o arte y tecnología. Aquí dos visualizaciones en fase de prueba:

https://i2.wp.com/manyeyes.alphaworks.ibm.com/manyeyes/files/thumbnails/baf379a2-721a-11de-943e-000255111976.wm.png

Visualización de cantidad de congresos por país en formato burbuja

https://i2.wp.com/manyeyes.alphaworks.ibm.com/manyeyes/files/thumbnails/18cfed62-7220-11de-ac0a-000255111976.wm.png

Los mismos datos, pero utilizando la visualización de mapa mundi

Seguiré probando…

Emotional Cartography, performance and objects

Hoy he empezado a trabajar en la presentación Objects and Traces in Space: An Approach to Locative Media Projects, que presentaré en el congreso anual del CRESC, que este año tiene como lema “Objects- What Matter? Technology, Value and Social Change”. 

Como el título indica, la idea es continuar con mi investigación “por entregas” sobre locative media (ver posts con esta etiqueta), en este caso, focalizando el tema en la objetualidad de algunos proyectos artísticos de locative media, y en el rastro y el contexto que dichos objetos generan. Para ello, he elegido algunos casos de estudio como el proyecto “Bio mapping” de Christian Nold. Intentando recuperar información en su web, he encontrado con grata sorpresa la publicación del libro “Emotional Cartograhy”, que recoge algunas de las experiencias en proyectos de localización que se basan en la recogida de datos personales y biológicos relativos a la experiencia de transitar por determinados espacios. Estos datos finalmente aparecen representados determinando cartografías emocionales.

Tal y como se define en la web:

“Emotional Cartography is a collection of essays from artists, designers, psychogeographers, cultural researchers, futurologists and neuroscientists, brought together by Christian Nold, to explore the political, social and cultural implications of visualising intimate biometric data and emotional experiences using technology”.

Sugiere el encaje de la construcción de la identidad en torno al espacio y viceversa, juntando, por tanto, dos temas que me han venido ocupando en los últimos años. Sin embargo, pensando en la comunicación que he de preparar, me ha hecho pensar en dónde está la objetualidad cuando se trata del propio cuerpo que emite una serie de datos biológicos que se transforman en una representación espacial. Cuál es el objeto? el cuerpo o el espacio? y el contexto?

En esta reflexión, no puedo dejar de recordar las clases de performace art, en la Facultad de Bellas Artes de Valencia del profesor y artista multidisciplinar  Bartolomé Ferrando, cuando nos explicaba los tres principios y dimensiones creativas de la performance: tiempo, espacio y lo que él definía como la “disolución del sujeto” (que por cierto, era la parte más dificil de conseguir). Por suerte, lo he podido encontrar en su web:

(…) tanto la idea, el tiempo y el espacio escogidos , como el alejamiento de la sintaxis representativa, deberán de ir articuladas al cuerpo del performer; a ese cuerpo que se exige inserto en la acción, dispuesto a notarse, a percibirse y a mostrarse como un objeto más; como un objeto entre objetos; como sujeto cero, que se ha anulado a sí mismo de su voluntad de intervenir, de decir, de actuar, de mostrarse manipulador de su propia intervención. Es ese cuerpo neutro, objetualizado, lo que queremos y entendemos posibilita la transmisión de energía, el contagio del otro, lejos ya de cualquier voluntad de transmisión de códigos, de leyes, o de modos de ver. Hablamos así de una habla sin orden, densa y a su vez pletórica de decir. Pero de un decir que no dice nada concreto, sino que más bien grita una amalgama de voces, desnudas de sentido pero que, como ya hemos dicho, son capaces de generar sentido.

Si entendemos todos estos proyectos recogidos en el libro “emotional cartography” como performances más o menos estructuradas y atribuidas con elementos tecnológicos , el cuerpo de aquel que lo ejecuta se convierte en objeto. Por ejemplo, en el caso del proyecto Bio Mapping, activo desde 2004, el rastro lo deja el cuerpo sobre el mapa de su recorrido de la siguiente manera:

The Bio Mapping tool allows the wearer to record their Galvanic Skin Response (GSR), which is a simple indicator of emotional arousal in conjunction with their geographical location. This can be used to plot a map that highlights point of high and low arousal. By sharing this data we can construct maps that visualise where we as a community feel stressed and excited.zoe

por lo tanto, diríamos que el cuerpo, en tanto que objeto, genera un contexto que sería la propia representación espacial de dichas emociones. Este puede ser un principio de desarrollo del estudio. Ahora cabrá ponerlos en relación con otros estudios de caso. Pero eso será otro post.

Presentación “Formes emergents de col·laboració

El pasado sábado (hace dos dias) presenté en el V Congreso Comunicación y Realidad  la comunicación “Formes emergents de col·laboració entre la indústria audiovisual i la creació independent”. Aquí dejo la presentación

…más presentaciones

Estoy preparando la presentación para el V Congreso Comunicación y Realidad  que organiza la Universidad Ramón Llull, y que tendrá lugar los próximos dias 22 y 23 de mayo en Barcelona. La comunicación presentada es parte de nuestro proyecto Arte, estética y New Media y se  titula: “Formes emergents de col·laboració entre la indústria audiovisual i la creació independent”. Tal como su título indica, investiga las formas emergentes de  colaboración de artistas en equipos interdisciplinares dentro del paradigma de la innovación en las empresas y amparados con el sufrido concepto de “creatividad”, conceptos que intentamos deconstruir y diseccionar (ver entrada “Talent and Creativity Wanted).  

Pensando en un modo más o menos alternativo de presentación, donde no me convierta en esclava del power point, he encontrado esta presentación titulada “Why most presentations suck”. Está bastante bien, yo ya me voy pensando el rol de “cheerleader-performer” 🙂

By the way, en el próximo post la presentación.

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