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Cartografía(s)

Ideas y reflexiones de una académica transestética

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Art, Space and Memory in the Digital Era

Acaba de salir a la luz el volumen editado por Tincuta Heinzel, Art, Space and Memory in the Digital Era, resultado y compilación del congreso que tuvo lugar en Sibiu en 2007  “Areas of confluence: Art, space and technology in the digital era”.  En este libro colaboramos con nuestro capítulo “On flows, spaces and places: an approach to locative media projects” escrito por servidora y Pau Alsina.

Sale publicado en edición bilingüe: inglés y rumano y se puede comprar desde la web de la editorial: http://www.paideia.ro/noutati/arta-spatiu-si-memorie-in-epoca-digitala.html

Editor: Tincuta Heinzel
Authors: Bogdan Ghiu, Woody Vasulka, Tincuta Heinzel, Paulo Ferreira-Lopes, Sophie Fetro, Augustin Ioan, Gemma San Cornelio, Pau Alsina, Anne-Marie Duguet, Heike Helfert, Peter Tomaz Dobrila, Uros Indihar.
Translations: Barbara Bartos, Patricia Comanescu, Simona Klodnischi, Ancuta Ionescu.
Paideia Publishing House, Bucharest, 2010.

Based on diverse artistic and aesthetic experiences, the publication offers possible answers to the way in which image and sound are affected by digital technologies of today. This collection of texts is organized around different types of imagery and sound, spatial forms and forms of memory to be found in the current digital context. The volume approaches the ways in which new technologies have influenced the artistic production, its organization, its spatial representation and its perception, as well as, the complexities involved in the organization of a database or an archive. The present book has attempted to present various layers of theoretical approach on new media, and to highlight a few points of view and possible ways of approaching it.

Contents

Tincuta HEINZEL – Introduction.

Chapter I. Types of Imagery and Sound and Their Interaction
Bogdan GHIU – Imperceptible, Hyperceptible: the New Hodological Condition.
Tincuta HEINZEL – Video – Between Utopia and History. Interview with Woody Vasulka.
Paulo FERREIRA-LOPES – A Gnosseological Approach of the Concept of Interaction. Real Time in Music – Several Paradigms and Models.

Chapter II. Spatial Forms
Sophie FETRO – Digital Surrealities. Design and Architecture: Arts of f[r]iction.
Augustin IOAN – Experiment in Romanian Architecture.
Gemma SAN CORNELIO & Pau ALSINA – On Flows, Places and Spaces: towards a framework for Locative Media Artworks.

Chapter III. Types of Memory
Anne-Marie DUGUET – Anarchive (Digital Archives on Contemporary Art) n°3 – Title TK.
Heike HELFERT – Search and Repair. Digital Heritage and Time Based Art.
Peter Tomaz DOBRILA & Uros INDIHAR – MEDIARC – Open Source Multiuser Central Archiving System: Web Application for Electronic Managing of Documents and Other Files.

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Shaping new cultural roles: Relationships Between Creators and Industry

Presentation for the conference: The Future of Cultural Work, organized by Open University (London) and CRESC, 7th june 2010

Shaping new cultural roles:  Relationships Between Creators and Industry

As part of a broader context of changes in economy and in the art practices, the current need for growth turns to creativity as a means for innovation, sometimes looking for the artists to come into the industry scene. This is the case with the research we have carried out on some initiatives which aim to mediate between creators and industry. We have focussed on two study cases in the Spanish territory, ‘Disonancias’ and ‘Digitalent’, where we have examined both the conditions of such creative workers (how these collaborative relationships are established in terms of authoring, contracts and work situation) and the evolutions concerning the very concepts of creativity, artist or innovation which somewhat conform a certain role for the creative and cultural work. We will discuss how such role is equally shaped by old traditional concepts and by cultural policies or economic constraints alike.

From the lab to the factory:Bridging creators and industry

Presentaciones atrasadas:

“From the Lab to the Factory:  Bridging creators and industry”

 Ruth Pagès, Gemma San Cornelio, Antoni Roig

Universitat Oberta de Catalunya

Abstract 

In recent years, and especially under the current economic crisis, there is an ever growing trend to urgently promote innovation.  This, in its turn, fosters interest in creativity and the spring of diverse kinds of relationships between industry and artists. The labour conditions of such relations could be regarded through the lens of the definition of “creative class” (Florida 2002), yet some other authors have highlighted its deep degrees of precariousness (Terranova 2005; Lazzarato 1996, 2008; McRobbie 2001, 2004). Regarding the conceptual level of such relations, on the one hand, it can be discerned that romantic concepts of the artist-as-genius and of creativity persist, linked to the vision of the artist as an agent of change, divergent thinking, or fresh air into industry –which seem much needed for innovation purposes and for the sake of economic success. On the other hand, some artists claim for a redefinition of their very role, similar to that of the researcher, valuing their own methodology as an asset.  Such redefinition is being proposed due to their transdisciplinary activity that overcomes the boundaries of the traditional Art World moving into the science, technology or industry fields.

 Moreover, this context varies depending on territories (country or region), and its own conception of cultural or creative industries, and consequently the policies applied. The research we present is trying to trace the relationships established between these independent creators and the industry through some specific initiatives based in the Spanish territory. The cases selected: ‘Talent Factory’, belonging to Fundació Digitalent (Barcelona) and ‘Disonancias’ (San Sebastian and Barcelona) bridge both sides of the coin.  The aim is to examine both structural information regarding how these collaborative relationships are established in terms of authoring, contracts and labour conditions, while relating them to the changes and evolutions regarding the very concepts of talent, creativity, artist or innovation

Location based projects, industrias creativas y mediadores

En los pasados meses he estado inmersa en un varios trabajos que me han absorbido todo el tiempo. Del 19 al 21 de noviembre estuve con mis compañeros de mediaccions en el congreso de ECREA (sección Digital Culture and communication) ‘Digital Media Technologies Revisited’ en Berlín, presentando el paper “Invisible networks and location-based projects suggesting the return of the “place”. 

En esta presentación  proponía una evolución de las teorías que sugerían la separación de la noción de “lugar”, dado que las TIC y concretamente las conceptualizaciones de “ciberespacio” y “realidad virtual”  supuestamente proporcionaban una experiencia que nos separaba de las prácticas espaciales, dicho de otra manera, del espacio físico o real. Todo esto está cambiando, y a partir de las prácticas culturales que utilizan los medios actuales (redes inalámbricas, GPS y especialmente realidad aumentada) podríamos sugerir que se está produciendo un retorno a la idea de “lugar”.

Por otra parte, del 10 al 12 de diciembre, hemos estado en el congreso Changing Cultures: Cultures of Change, dentro del proyecto ATACD que se celebró en Barcelona. En él presentamos el paper  “From the Lab to the Factory: Bridging creators and industry”, con mis compañeros Ruth Pagès  i Antoni Roig.  A partir de un análisis de las definiciones de creatividad e innovación, en el contexto de las industrias creativas, tomamos como casos de estudio dos iniciativas de mediación entre artistas e industria, con el fin de extraer las ideas que subyacen a estas colaboraciones, en términos conceptuales y también estructurales. Una de nuestras conclusiones es que los mitos del artista romántico, en relación con la creatividad persisten en gran medida en estas iniciativas. Tuvimos la suerte de estar en una sesión sobre industrias creativas, titulada Space, creativity and culture donde pudimos aprender de otros casos propuestos por los presentes.

 

 

Universitat Oberta de Catalunya

Sobre objetos y espacios, o como gestionar la interdisciplinariedad

La semana pasada estuve participando en el congreso internacional CRESC, en Manchester (1-4) septiembre. Esta asociación y centro de investigación en el ámbito del cambio socio-cultural, está financiado por el gobierno británico y organiza desde hace 5 años su congreso anual, proponiendo un tema a debate. En el 2006 el lema era “Media Change and Social Theory” y estuve con mis compañeros, Toni Roig, Elisenda Ardèvol y Ruth Pagès participando con el paper Videogame as media practice: An exploration on the intersections between audiovisual consumption and game cultures.  Este año fui en solitario a presentar el paper Objects and Traces in Space: an approach to locative media projects, que respondía al call for papers Objects – What Matters? Technology, Value and Social Change y el entorno y la impresión que he tenido ha sido muy distinta.

En relación al congreso de 2006, caracterizado por la participación de académicos del ámbito de la comunicación, aunque también antropólogos y sociólogos orientados al estudio de los medios, la participación en el congreso de 2009 se ha caracterizado por la heterogeneidad y multiplicidad de aproximaciones a un mismo tema: los objetos. La propuesta prometía, aunque la sensación una vez terminada no podría describirla sino como agridulce, y me explico. Si bien algunos profesores reclamamos que la investigación en el ámbito de las humanidades y ciencias sociales ha de ser necesariamente interdisciplinar, cuando se realiza un intento a gran escala, como ha sido el caso del congreso del CRESC, se ponen en evidencia algunas cuestiones que no acaban de funcionar. Esto sucede cuando por ejemplo afloran a discusión cuestiones que para un ámbito concreto ya están superadas o son de conocimiento básico, pero no para otros ámbitos, que tienen diferentes “backgrounds”.  Por ejemplo, cuestionar la utilidad del uso de métodos y tencologías audiovisuales en la ensañanza primaria jamás se discutiría en un congreso de comunicación, porque conocemos la existencia de un ámbito de investigación (“media literacies”) que precisamente se ocupa de la alfabetización en medios.  Es el precio de la interdisciplinariedad en un congreso . Sin embargo, dentro de la heterogeneidad de las sesiones se podían encontrar rastros de complicidad con algunos temas que me interesan. Supongo que se trata de una cuestión de escala, dado que nuestra práctica interdisciplinar en grupos de investigación más pequeños, de momento ha sido muy satisfactoria y enriquecedora.

Dejo aquí mi presentación en la que reflexionaba sobre la objetualiad (o no) de las prácticas de “locative media” y su relación con el espacio. En base a la idea de que los proyectos basados en tecnologias de localización pueden retornar a la idea de “lugar”, analizo tres proyectos que proponen cartografías subjetivas como modo de apropiación del espacio. Así mismo, trato de anclar estas prácticas en el contexto del arte contemporáneo, y su reflexión en torno a la objetualización, conceptualización o comodificación del objeto artístico.

Emotional Cartography, performance and objects

Hoy he empezado a trabajar en la presentación Objects and Traces in Space: An Approach to Locative Media Projects, que presentaré en el congreso anual del CRESC, que este año tiene como lema “Objects- What Matter? Technology, Value and Social Change”. 

Como el título indica, la idea es continuar con mi investigación “por entregas” sobre locative media (ver posts con esta etiqueta), en este caso, focalizando el tema en la objetualidad de algunos proyectos artísticos de locative media, y en el rastro y el contexto que dichos objetos generan. Para ello, he elegido algunos casos de estudio como el proyecto “Bio mapping” de Christian Nold. Intentando recuperar información en su web, he encontrado con grata sorpresa la publicación del libro “Emotional Cartograhy”, que recoge algunas de las experiencias en proyectos de localización que se basan en la recogida de datos personales y biológicos relativos a la experiencia de transitar por determinados espacios. Estos datos finalmente aparecen representados determinando cartografías emocionales.

Tal y como se define en la web:

“Emotional Cartography is a collection of essays from artists, designers, psychogeographers, cultural researchers, futurologists and neuroscientists, brought together by Christian Nold, to explore the political, social and cultural implications of visualising intimate biometric data and emotional experiences using technology”.

Sugiere el encaje de la construcción de la identidad en torno al espacio y viceversa, juntando, por tanto, dos temas que me han venido ocupando en los últimos años. Sin embargo, pensando en la comunicación que he de preparar, me ha hecho pensar en dónde está la objetualidad cuando se trata del propio cuerpo que emite una serie de datos biológicos que se transforman en una representación espacial. Cuál es el objeto? el cuerpo o el espacio? y el contexto?

En esta reflexión, no puedo dejar de recordar las clases de performace art, en la Facultad de Bellas Artes de Valencia del profesor y artista multidisciplinar  Bartolomé Ferrando, cuando nos explicaba los tres principios y dimensiones creativas de la performance: tiempo, espacio y lo que él definía como la “disolución del sujeto” (que por cierto, era la parte más dificil de conseguir). Por suerte, lo he podido encontrar en su web:

(…) tanto la idea, el tiempo y el espacio escogidos , como el alejamiento de la sintaxis representativa, deberán de ir articuladas al cuerpo del performer; a ese cuerpo que se exige inserto en la acción, dispuesto a notarse, a percibirse y a mostrarse como un objeto más; como un objeto entre objetos; como sujeto cero, que se ha anulado a sí mismo de su voluntad de intervenir, de decir, de actuar, de mostrarse manipulador de su propia intervención. Es ese cuerpo neutro, objetualizado, lo que queremos y entendemos posibilita la transmisión de energía, el contagio del otro, lejos ya de cualquier voluntad de transmisión de códigos, de leyes, o de modos de ver. Hablamos así de una habla sin orden, densa y a su vez pletórica de decir. Pero de un decir que no dice nada concreto, sino que más bien grita una amalgama de voces, desnudas de sentido pero que, como ya hemos dicho, son capaces de generar sentido.

Si entendemos todos estos proyectos recogidos en el libro “emotional cartography” como performances más o menos estructuradas y atribuidas con elementos tecnológicos , el cuerpo de aquel que lo ejecuta se convierte en objeto. Por ejemplo, en el caso del proyecto Bio Mapping, activo desde 2004, el rastro lo deja el cuerpo sobre el mapa de su recorrido de la siguiente manera:

The Bio Mapping tool allows the wearer to record their Galvanic Skin Response (GSR), which is a simple indicator of emotional arousal in conjunction with their geographical location. This can be used to plot a map that highlights point of high and low arousal. By sharing this data we can construct maps that visualise where we as a community feel stressed and excited.zoe

por lo tanto, diríamos que el cuerpo, en tanto que objeto, genera un contexto que sería la propia representación espacial de dichas emociones. Este puede ser un principio de desarrollo del estudio. Ahora cabrá ponerlos en relación con otros estudios de caso. Pero eso será otro post.

Presentación “Formes emergents de col·laboració

El pasado sábado (hace dos dias) presenté en el V Congreso Comunicación y Realidad  la comunicación “Formes emergents de col·laboració entre la indústria audiovisual i la creació independent”. Aquí dejo la presentación

…más presentaciones

Estoy preparando la presentación para el V Congreso Comunicación y Realidad  que organiza la Universidad Ramón Llull, y que tendrá lugar los próximos dias 22 y 23 de mayo en Barcelona. La comunicación presentada es parte de nuestro proyecto Arte, estética y New Media y se  titula: “Formes emergents de col·laboració entre la indústria audiovisual i la creació independent”. Tal como su título indica, investiga las formas emergentes de  colaboración de artistas en equipos interdisciplinares dentro del paradigma de la innovación en las empresas y amparados con el sufrido concepto de “creatividad”, conceptos que intentamos deconstruir y diseccionar (ver entrada “Talent and Creativity Wanted).  

Pensando en un modo más o menos alternativo de presentación, donde no me convierta en esclava del power point, he encontrado esta presentación titulada “Why most presentations suck”. Está bastante bien, yo ya me voy pensando el rol de “cheerleader-performer” 🙂

By the way, en el próximo post la presentación.

ACE 2008

Los pasados 3,4,5 de diciembre estuve en el congreso ACE 2008 en Yokohama (Japón) haciendo una pequeña aportación a la sección Salon de ACE, sobre mi investigación inicial de Locative Media.

También estuvieron mis compañeros de Spider, realizando una presentación sobre su investigación sobre el uso de los videojuegos en la educación no formal.

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