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Cartografía(s)

Ideas y reflexiones de una académica transestética

¿Autenticidad o autopromoción en las redes sociales?

Artículo publicado originalmente en la revista Come In

Hace unos días saltaba a los medios, especialmente en la red, la noticia de una modelo australiana de 18 años, Essena O’Neill, que decidía publicar un vídeo anunciando que dejaba las redes sociales, a la vez que revelaba el auténtico calvario que representaba crear las imágenes que compartía en Instagram. Lo hacía directamente desde su cuenta personal y ofrecía comentarios añadidos a los pies de las fotografías sobre los detalles de la toma de las mismas, definidas como “falsas”, así como todo lo que rodeaba su actividad en las redes sociales.

De repente, con este vídeo se ‘desvela’ un misterio y una ‘verdad’: las fotografías en las redes sociales no son auténticas, prima la apariencia y, por ende, nos convierte en esclavos de la misma. Sin embargo, ¿hasta qué punto esto es un efecto de las redes sociales? ¿Qué aporta esta ‘revelación’? Es más, ¿no podría ser el cambio de actitud de la modelo una falsedad más? En este artículo intentaré profundizar en las ideas de autenticidad y falsedad en la identidad en internet, especialmente en las redes sociales.

 

La idea de autenticidad ha sobrevolado de forma discontinua sobre la concepción de la identidad en internet. Si bien en los años 90 se hablaba de una identidad fragmentaria, de la posibilidad de imaginar diferentes personalidades en los diferentes contextos comunicativos de internet (foros, chats, etc.), es a partir de los años 2000, con la aparición de la web 2.0 y las redes sociales, que esta idea comienza a ser reemplazada por la de la autenticidad en la presencia de uno mismo en internet. Esta lógica de autenticidad/invención -incluso falsedad o engaño- ha derivado en la consideración de la identidad como eje vertebrador de nuestra actividad en internet, la cual adquiere una relevancia especial en lo que refiere a crear un perfil consistente, coherente y alineado con determinados intereses que puedan ayudar a convertirlo en un producto: en su propia marca personal. Ni que decir tiene que las propias empresas de internet, como Facebook, han reforzado y forzado esta idea de autenticidad, por ejemplo, evitando el registro con un nombre inventado en la red.

 

Desde un punto de vista académico, el concepto de marca personal (branded self) comienza utilizarse a mediados de los años 2000 (Marwick, 2010) y está claramente relacionado con el aumento de capacidad de nuestra presencia en internet -mediante las redes sociales- permitiéndonos una mayor autopromoción. En este sentido se podría entender el “yo” influido por los discursos y las prácticas capitalistas: la identidad como un objeto material, sujeto a las leyes del mercado.

 

Así pues, en los últimos años ya se habla directamente y sin tapujos del concepto de marca personal, como un aspecto fundamental a trabajar especialmente en el campo profesional, que es donde dicha marca encontrará aliados, futuros clientes, contactos, etc. De acuerdo con Schawbel (2009), “una marca personal consiste en descubrir certezas y particularidades de uno mismo y transmitirlas a los otros, de manera que lo más importante a la hora de trabajar nuestra marca personal es trazarse unos objetivos e implementar una estrategia que se traduzca en un plan de acción para alcanzar los objetivos”, como si de una empresa se tratara.

 

Así pues, ¿cómo se puede combinar la marca personal con la idea de autenticidad? Una de las acepciones del diccionario de la RAE la describe así: “Consecuente consigo mismo, que se muestra tal y como es. Es una persona muy auténtica”. En el caso de Essena O’Neill, esta afirma que sus fotografías, las de su anterior “yo”, no eran auténticas, sino fruto de una manipulación en la preparación de la pose, el maquillaje y el retoque fotográfico para aparecer más bella, de acuerdo con los cánones actuales. Pero añade otro elemento: las compañías que patrocinaban los productos que ella lucía en las fotografías, como bikinis, que jamás se hubiese permitir de otro modo. Aquí es donde empieza a tener cierto sentido el debate sobre la autenticidad, en mi opinión: la posibilidad de alterar una determinada conducta a favor de la promoción de determinados productos o, dicho de otro modo, en profesionalizar su ya manifiesto interés por la moda.

 

Sin embargo, si bien su cuenta de Instagram se acabó cerrando, la modelo no ha abandonado otras redes sociales (en las que ha ganado todavía más seguidores) y además ha abrazado una nueva filosofía de vida basada en la idea de autenticidad. Una idea, cabe decir, algo naíf en el mundo adulto -por ejemplo, basada en la expresión de sentimientos-, aunque quizás con cierto sentido entre los adolescentes. En su nuevo proyecto Let’s be game changers también se muestra adepta al veganismo y propone abandonar las redes sociales (digital detox) aunque todo su trabajo y su comunicación se realice a través de ellas.

 

Enrique Alpañés sugiere al final de su artículo en Yorokobu sobre el vídeo de O’Neill si este cambio de opinión de la misma no responde a una estrategia de re-branding por su parte. Yo estoy bastante de acuerdo con él: la modelo habría pasado de un posicionamiento mainstream a un posicionamiento más contracultural o alternativo, pero igualmente ‘marca’. Este planteamiento abre otro debate todavía más interesante que sería cómo diferenciar, dentro de las tendencias de vida alternativas al consumismo capitalista y otras causas de tipo social, cuáles de ellas son auténticas -en el sentido de consistentes- y cuáles son parte de otros tipos de consumo, o simplemente formas de slacktivism, o activismo fácil. En este debate también podemos seguir culpabilizando a las redes sociales, o más bien reflexionar sobre cómo las estamos utilizando.

 

Para saber más:

 

Marwick, A. E. (2010). Status update: Celebrity, publicity and self-branding in Web 2.0 Tesis doctoral. New York University.

 

San Cornelio, G. (2008). Arte e identidad en internet. Barcelona: Ediuoc.

 

Schawbel, D. (2009). Me 2.0: Build a Powerful Brand to Achieve Career Success. New York: Kaplan Books.

Relanzamiento del blog

Hace algunos días que le doy vueltas a la idea de relanzar este blog, después de varios años de inactividad, en los que me dedicado a otros blogs de proyectos de investigación.  En estos cuatro años han pasado muchas cosas, y después de dedicarme a diversos temas de investigación y docencia,  los cuales consideraba dispersos y poco aglutinadores de aquello que se viene a llamar ‘identidad académica’ (sí, aquel tema ‘experto’ por el cual se supone que han de invitarle a uno a conferencias y a los medios de comunicación) me he reconciliado con la idea de que no ser experto -si, el especialista- en un sólo tema no es algo negativo, sino que permite tener visiones más globales en el campo cultural y social, que es en el que me suelo mover.

A ello, me ha ayudado enormemente el libro que estoy leyendo en la actualidad ‘La estetización del mundo’ de  Gilles Lipovetsky, en donde, entre otras muchas ideas, propone que vivimos en la era del capitalismo artístico, donde la noción de estética ha permeado muchos de los aspectos de la vida cotidiana -saliendo de la esfera artística y teniendo un gran protagonismo en los medios de comunicación, el entretenimiento, etc.- De este modo, podemos hablar del concepto de transestética que se referiría a todos estos aspectos artísticos/estéticos que atraviesan los distintos medios y esferas, de un modo horizontal desde las artes plásticas, la producción social y digital en la sociedad actual.

Si bien esta idea globalizadora ya estaba presente en épocas anteriores, es en la actualidad donde se puede apreciar este fenomeno con más contundencia, todo ello, a pesar de que muy pocos académicos adoptan esta posición global, sino que se mantienen en los departamentos y disciplinas clásicas separadas claramente entre ellas. Los pocos que tenemos interés en esta hibridación -y que hemos investigado pequeñas parcelas de este fenomeno, en lugar de dedicar nuestra vida a un único tema- a veces tenemos dificultad para que saber quienes somos, así que gracias a este libro por fin he comprendido que soy una académica transestética.

 

Prácticas creativas, participación, co-creación, etc.

Durante los próximos meses este blog quedará inactivo (de hecho ya lo estaba) y todas las actividades generadas en el marco de nuestro proyecto “Prácticas creativas y participación en los nuevos medios” quedarán registradas en el blog del proyecto:

http://newmediapractices.org/

desde donde se podrá seguir e importar la información

Actualizaciones (I) Pràctiques creatives i innovació: aportacions des de l’art i el disseny

Algunas de las actividades realizadas, con cierto retraso:

Mediaccions seminars
Cultura digital i Práctiques creatives

Data:   27/10/2010
Entrada:       16:30
Sortida:        19:00

Sala:   Media TIC – Sala 6C
Ubicació: Media TIC
Roc Boronat, 117 (Barcelona)
planta: 6

Pràctiques creatives i innovació: aportacions des de l’art i el disseny
Gemma San Cornelio  /  Joan Morales

En aquesta sessió tractarem dues maneres d’abordar el concepte d’innovació des del marc de les pràctiques de creació, concretament, l’art i el disseny. En la primera presentació “Nous rols culturals: relacions entre art i indústria” s’analitzaran algunes iniciatives de col·laboració entre artistes i indústria a partir de la seva conceptualització (creativitat, innovació, talent, art…) i de les condicions d’aquesta col·laboració en termes de treball cultural. En la segona presentació “El disseny com a innovació. Estudi de videojocs educatius” es procedirà a una redefinició teòrica de la disciplina del disseny en base al concepte d’innovació, i a partir de l’estudi de cas de videjocs educatius es proposa una metodologia multidimensional que aplega la participació dels públics així com els diversos objectius a assolir pels jocs.

Grabación experimental de la sesión en este link:

http://livestre.am/r0RU

Creatividad, innovación y talento en las relaciones arte e industria

Antes de las vacaciones de verano me invitaron a participar en unas jornadas dedicadas a la reflexión sobre los modos de captar el talento en las empresas del sector audiovisual, organizadas por TCM Audiovisual (Mataró). Aunque el evento estaba dirigido a un público del mundo de la empresa, la primera presentación fue la mía, en un tono claramente académico,  y en ella procedí a un repaso precisamente sobre los conceptos de creatividad, innovación y talento de un modo crítico, y basado en parte en los materiales docentes que elaboramos Ruth Pagès y yo para el posagrado de Innovación en creación de contenidos audiovisuales de la UOC, y en parte en nuestra investigación sobre los mediadores entre arte e industria que hemos ido realizando estos últimos años con Antoni Roig.

Els conceptes de creativitat, innovació i talent en les relacions art i indústria (en català)

En el context actual de canvis en l’economia i en les pràctiques de l’art, la necessitat de creixement sembla haver trobat en els conceptes de creativitat i talent el mitjà per a la innovació. Aquest és el cas en algunes iniciatives presents en el territori espanyol que pretenen fer de mediador entre artistes o creadors i indústria. Ara bé,  tant les condicions dels creadors com les evolucions relatives als propis conceptes de creativitat, artista, innovació o talent conformen en certa manera un nou paper per al treball creatiu i cultural.
En aquesta presentació es repassen críticament tots aquests conceptes en relació a la seva utilització en en alguns projectes de mediació actuals.

Art, Space and Memory in the Digital Era

Acaba de salir a la luz el volumen editado por Tincuta Heinzel, Art, Space and Memory in the Digital Era, resultado y compilación del congreso que tuvo lugar en Sibiu en 2007  “Areas of confluence: Art, space and technology in the digital era”.  En este libro colaboramos con nuestro capítulo “On flows, spaces and places: an approach to locative media projects” escrito por servidora y Pau Alsina.

Sale publicado en edición bilingüe: inglés y rumano y se puede comprar desde la web de la editorial: http://www.paideia.ro/noutati/arta-spatiu-si-memorie-in-epoca-digitala.html

Editor: Tincuta Heinzel
Authors: Bogdan Ghiu, Woody Vasulka, Tincuta Heinzel, Paulo Ferreira-Lopes, Sophie Fetro, Augustin Ioan, Gemma San Cornelio, Pau Alsina, Anne-Marie Duguet, Heike Helfert, Peter Tomaz Dobrila, Uros Indihar.
Translations: Barbara Bartos, Patricia Comanescu, Simona Klodnischi, Ancuta Ionescu.
Paideia Publishing House, Bucharest, 2010.

Based on diverse artistic and aesthetic experiences, the publication offers possible answers to the way in which image and sound are affected by digital technologies of today. This collection of texts is organized around different types of imagery and sound, spatial forms and forms of memory to be found in the current digital context. The volume approaches the ways in which new technologies have influenced the artistic production, its organization, its spatial representation and its perception, as well as, the complexities involved in the organization of a database or an archive. The present book has attempted to present various layers of theoretical approach on new media, and to highlight a few points of view and possible ways of approaching it.

Contents

Tincuta HEINZEL – Introduction.

Chapter I. Types of Imagery and Sound and Their Interaction
Bogdan GHIU – Imperceptible, Hyperceptible: the New Hodological Condition.
Tincuta HEINZEL – Video – Between Utopia and History. Interview with Woody Vasulka.
Paulo FERREIRA-LOPES – A Gnosseological Approach of the Concept of Interaction. Real Time in Music – Several Paradigms and Models.

Chapter II. Spatial Forms
Sophie FETRO – Digital Surrealities. Design and Architecture: Arts of f[r]iction.
Augustin IOAN – Experiment in Romanian Architecture.
Gemma SAN CORNELIO & Pau ALSINA – On Flows, Places and Spaces: towards a framework for Locative Media Artworks.

Chapter III. Types of Memory
Anne-Marie DUGUET – Anarchive (Digital Archives on Contemporary Art) n°3 – Title TK.
Heike HELFERT – Search and Repair. Digital Heritage and Time Based Art.
Peter Tomaz DOBRILA & Uros INDIHAR – MEDIARC – Open Source Multiuser Central Archiving System: Web Application for Electronic Managing of Documents and Other Files.

Shaping new cultural roles: Relationships Between Creators and Industry

Presentation for the conference: The Future of Cultural Work, organized by Open University (London) and CRESC, 7th june 2010

Shaping new cultural roles:  Relationships Between Creators and Industry

As part of a broader context of changes in economy and in the art practices, the current need for growth turns to creativity as a means for innovation, sometimes looking for the artists to come into the industry scene. This is the case with the research we have carried out on some initiatives which aim to mediate between creators and industry. We have focussed on two study cases in the Spanish territory, ‘Disonancias’ and ‘Digitalent’, where we have examined both the conditions of such creative workers (how these collaborative relationships are established in terms of authoring, contracts and work situation) and the evolutions concerning the very concepts of creativity, artist or innovation which somewhat conform a certain role for the creative and cultural work. We will discuss how such role is equally shaped by old traditional concepts and by cultural policies or economic constraints alike.

Exploraciones creativas. Libro publicado!

Me hace mucha ilusión poder anunciar la publicación del libro “Exploraciones Creativas: prácticas artísticas y culturales de los nuevos medios” en la que se recogen las aportaciones y los resultados del proyecto “Arte, estética y New Media” que terminamos en septiembre de 2009 y en el que hemos participado todos los autores del libro: Jordi Alberich, Pau Alsina, Ruth Pagès, Antoni Roig y yo misma.

¿Qué tienen en común el arte digital, los juegos de localización (geotagging), o el audiovisual en Internet?. El estudio de las diversas formas artísticas y culturales de los nuevos medios ha cobrado interés gracias al nivel de desarrollo alcanzado por las tecnologías digitales en los últimos años ofreciendo nuevas posibilidades para la creación y la experiencia artística. La utilización de los nuevos medios, no sólo como herramientas de trabajo, sino como medios de producción, almacenamiento, (re)presentación, e interacción social es el rasgo compartido por todas estas prácticas, a la vez que define y constituye su propia especificidad. El presente libro aborda el estudio de las prácticas artísticas como punto de partida dentro de un contexto cultural más amplio, proponiendo la reflexión en tres sentidos: los objetos artísticos y culturales, los discursos y las teorías sobre los mismos y su impacto real sobre las estructuras sociales. Desde una perspectiva interdisciplinar -historia y teoría del arte, comunicación audiovisual o cultura digital, entre otros- los distintos capítulos que conforman esta obra pretenden aportar una visión poliédrica de unas prácticas en continuo dinamismo, donde muchos de los conceptos tradicionales tales como autor, artista, creatividad, industria, trabajo, cultura o participación aplicadas al contexto de los nuevos medios comienzan a hacerse permeables y su significado se amplía y modifica.

From the lab to the factory:Bridging creators and industry

Presentaciones atrasadas:

“From the Lab to the Factory:  Bridging creators and industry”

 Ruth Pagès, Gemma San Cornelio, Antoni Roig

Universitat Oberta de Catalunya

Abstract 

In recent years, and especially under the current economic crisis, there is an ever growing trend to urgently promote innovation.  This, in its turn, fosters interest in creativity and the spring of diverse kinds of relationships between industry and artists. The labour conditions of such relations could be regarded through the lens of the definition of “creative class” (Florida 2002), yet some other authors have highlighted its deep degrees of precariousness (Terranova 2005; Lazzarato 1996, 2008; McRobbie 2001, 2004). Regarding the conceptual level of such relations, on the one hand, it can be discerned that romantic concepts of the artist-as-genius and of creativity persist, linked to the vision of the artist as an agent of change, divergent thinking, or fresh air into industry –which seem much needed for innovation purposes and for the sake of economic success. On the other hand, some artists claim for a redefinition of their very role, similar to that of the researcher, valuing their own methodology as an asset.  Such redefinition is being proposed due to their transdisciplinary activity that overcomes the boundaries of the traditional Art World moving into the science, technology or industry fields.

 Moreover, this context varies depending on territories (country or region), and its own conception of cultural or creative industries, and consequently the policies applied. The research we present is trying to trace the relationships established between these independent creators and the industry through some specific initiatives based in the Spanish territory. The cases selected: ‘Talent Factory’, belonging to Fundació Digitalent (Barcelona) and ‘Disonancias’ (San Sebastian and Barcelona) bridge both sides of the coin.  The aim is to examine both structural information regarding how these collaborative relationships are established in terms of authoring, contracts and labour conditions, while relating them to the changes and evolutions regarding the very concepts of talent, creativity, artist or innovation

Location based projects, industrias creativas y mediadores

En los pasados meses he estado inmersa en un varios trabajos que me han absorbido todo el tiempo. Del 19 al 21 de noviembre estuve con mis compañeros de mediaccions en el congreso de ECREA (sección Digital Culture and communication) ‘Digital Media Technologies Revisited’ en Berlín, presentando el paper “Invisible networks and location-based projects suggesting the return of the “place”. 

En esta presentación  proponía una evolución de las teorías que sugerían la separación de la noción de “lugar”, dado que las TIC y concretamente las conceptualizaciones de “ciberespacio” y “realidad virtual”  supuestamente proporcionaban una experiencia que nos separaba de las prácticas espaciales, dicho de otra manera, del espacio físico o real. Todo esto está cambiando, y a partir de las prácticas culturales que utilizan los medios actuales (redes inalámbricas, GPS y especialmente realidad aumentada) podríamos sugerir que se está produciendo un retorno a la idea de “lugar”.

Por otra parte, del 10 al 12 de diciembre, hemos estado en el congreso Changing Cultures: Cultures of Change, dentro del proyecto ATACD que se celebró en Barcelona. En él presentamos el paper  “From the Lab to the Factory: Bridging creators and industry”, con mis compañeros Ruth Pagès  i Antoni Roig.  A partir de un análisis de las definiciones de creatividad e innovación, en el contexto de las industrias creativas, tomamos como casos de estudio dos iniciativas de mediación entre artistas e industria, con el fin de extraer las ideas que subyacen a estas colaboraciones, en términos conceptuales y también estructurales. Una de nuestras conclusiones es que los mitos del artista romántico, en relación con la creatividad persisten en gran medida en estas iniciativas. Tuvimos la suerte de estar en una sesión sobre industrias creativas, titulada Space, creativity and culture donde pudimos aprender de otros casos propuestos por los presentes.

 

 

Universitat Oberta de Catalunya

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